正文 第十八章：教你当导演
目录：喜剧大爆炸| 作者：咚咚隆咚锵| 类别：都市言情
拍戏该怎么拍？
想怎么拍就怎么拍。
拿这个问题问国内导演，恐怕就会得到这个答案，但更多的还是“复杂”“挠头”“去死”“逗人玩讷”。
在开心看来，拍摄的流程问题就是最简单的，“一开始，然后，再然后……”甚至可以去参考小学劳动课本《如何折纸鹤》。
就像折纸鹤一样，虽然简单，却也有多道折叠过程。
从最开始的准备到第一个镜头喊“anet”并非一蹴而就，这其中需要经历多重步骤。
“中央车站”第一组镜头，就是中年的阿朵在中央门汽车站里替来来往往的人写书信，背后是一群群来来往往的行人，永远都是急匆匆各行各事。镜头前，却有一个个客人坐下，用丰富的表情或开心、或沮丧、或伤心、或憎恨的说着自己的话。
斯琴高娲饰演的阿朵就是那个记录者，手中的圆珠笔不断写字，机械的写字，一成不变……
就这一小段内容，短短的几分钟戏份，也是充满着故事的。
开心明白自己的优、劣势所在，不管理论知识多么丰富，对初次执掌导筒的菜鸟导演而言，是没有机会能亲自感悟消化多少经验的。
所以开心坚决按照程序来，不搞特殊化，在学会跑之前得先学会走路。
也许会和你想的不一样，最开始的步骤不是布置、不是打灯，而是走戏。这是导演和演员的工作。
这时候，所有的人都应该在现场，熟悉这个片段的剧情，熟悉每一句台词。这样，摄影才能抓到更好的角度，录音才知道话筒在哪里才能跟着演员，不漏掉每一句话。
其次，码位。
初次演戏的演员，在开机后会不知道该怎么走动，怎么去面对镜头，开心必须教会他们这些。大概在演员走了两次之后，表演的方式固定了，他再调整一些细节。然后就需要由场工或者摄影助理开始贴地标，也就是通常说的码位置。
码的具体位置，是演员表演开始，结束，和中间停顿的各个点。具体方法是用大力胶贴在演员站着位置的两脚之间。这样做的好处，第一是帮助演员控制节奏，第二是协助演员做到不同次的表演基本相同，方便不同机位剪辑；第三是摄影组跟焦（跟焦是什么，不解释）。
也许经验丰富的演员不需要这个，可在这部电影里，这种笨拙的方法是再合适不过。
第三步，定构图走起。
现在越来越多的故事片已经不画分镜头剧本了（好吧，是除了广告都不画了），这时候就是摄影指导功的时候——当然了，摄影指导要么请好的，再请不来大师之前，开心觉得还是自己兼任比较放心。
早早定下构图，灯光师才能打光，道具组才能布置场景，因为他们看到的影像，是监视器里看到的那种经过摄影机加工的图像，和人眼不一样。
按图索骥。
如果是运动镜头，则定构图需要定两次，即起幅和落幅度。
任何在定构图之前要灯光组打光的摄影都是耍流氓：“给你打，给你打，打好了穿帮怎么办，你负责呀？重新给你挪吗，你谁呀你？”笨重的灯光、录音设备，零碎的都能装了一大车厢。这玩意儿体力不好的，还真玩不起来。如果没有合适的配合，就会愈显得场面混乱。
在香港，灯光师有“灯爷”之称，有句行话叫“得罪谁也别得罪灯爷”，万一他打光的时候给你暗淡一点，到时候成片黑乎乎一片，绝对让你哭都没地方哭。其重要地位不言而喻。但开心觉得，这也跟香港绝大多数电影没有规范化的提前构图有关，在那个追求效率的年代，连剧本都是现写，如何能让灯光师好好工作呢。
而在这个时候，演员就可以休息了，取而代之的应该是光替。
这不是只有拍摄明星时候需要注意的，不管多小的剧组，这时候都不应该让演员站在画面中作为打光的参考，因为演员的情绪很容易被身边大呼小叫忙来忙去的灯光师傅们影响，而且长时间站立，演员会麻木，不利于表演。长时间被灯光烤，会有些呆滞，也会不停要补妆。
光替，就是身高和演员差不多，身材类似，穿着同样颜色衣服（不同也行，但是别差太多）的，随便啥人……
搞清楚了构图意思之后，才是打光和布景的阶段。
打光之前，灯光师应该是一直站在监视器前面的，根据摄影师定好的画面，开始进行光线造型。
但这并不是所有人都能做的活，要注意的是，灯光师一定要兼顾到这个镜头里所有可能涵盖的演员调度，走动、表演，防止不接戏；在故事片拍摄中，一定遵循同一内容从全景到特写的拍法；在拍摄同一场景时，如单机拍摄正反打，一定要先把一个光位下所有的机位拍完。否则即便记再准确，都很难在补拍同一位置上的镜头时做到灯光完全一致不穿帮；主光方向，光比，一定要固定，要测量好并且记录数据，防止穿帮……
其次摆放细节道具，也是需要开心或者摄影师赵小鼎去亲自去指挥的。某些细小的道具，如《盗梦空间》中的陀螺，往往都是镜头语言的最重要组成部分。导演要摆放进去，是为了叙事服务的。而摄影师要放的，则是为了画面好看的。
一个合格的道具师，在放好之后都会迅用照相机拍下照片，包括这个东西，拜访的角度，和周围道具的关系，其目的，还是为了接戏、不穿帮。
这个也完成无误，才轮到演员调整化妆、服装。
这里说的调整，可不只是换一套衣服，而是演员脸上有没有反光的点？需要不需要补粉？演员的衣服上有没有多余的脏东西，需要不需要粘下线头等等。
演员也ok了，好，导演举起导筒喊：“录音话筒员就位！”
这个需要强劲臂力的职业开始上场了。而专业话筒员，在走戏的时候也应该跟在现场，先试试录一个样。让录音师知道每句话的轻重，每个细节，哪里要避免，哪里要录清楚。
这个时候就是正式上位啦~如果是运动镜头，还要和摄影师沟通下，最好大家一起走一下，看看运动过程中有没有穿帮。
大喇叭继续喊话：“各部门的最后检查！”
灯光组看看这个演员够不够美。
道具组检查下有没有东西没摆好。
摄影组最后检查有没有穿帮。
“……现场所有人固定不要动。”
现场所有人，无关的人能离开现场最好离开，到监视器前面才能看到结果。不能离开的，迅站定，最好蹲下，免得挡光，或者影子移动造成穿帮。
开心迅下令：“摄影开机（Ro11caera）！”
操作机器的赵小鼎脑袋缩在摄像机镜筒后面，头也不抬，回喊：“开机（Ro11ing）！”
“……声音开机（Ro11sound）！”
场记小伙儿开始举着板子对在摄影机前面，报场号、镜号、次数、打板：“第一场，一镜头，第一次……”
这才轮到那一声激动人心的“anetbsp; “哐~！”
——正式开拍。
不同的职务喊不同的话：录音开机录音师喊：开机（Ro11sound/soundspeed/Ro11ing），摄像机开机摄像指导喊：开机（netg）导演喊：开始（anetbsp; 拍摄完第一个镜头之后，还需要回放。
以上的全部流程，都需要经过三次配合，起幅，落幅，和运动过程。
开心坚持程序走，是有他的道理的。
他一直认为，中国的剧组之所以会有工作上的摩擦，一大部分原因就是因为没按照这个流程走。其实少了任何一个步奏，都会造成其他部门的慌乱。
一个镜头拍摄没有效率，总是存在纰漏，才是拍的慢的原因，细节做好浪费的那些时间，根本就不算浪费。
（抱歉：小区停了一天电，晚上才来电。热昏头了，这一天都不知道怎么过的。更新来的这么晚，实在抱歉！今天多更点吧~！）
想怎么拍就怎么拍。
拿这个问题问国内导演，恐怕就会得到这个答案，但更多的还是“复杂”“挠头”“去死”“逗人玩讷”。
在开心看来，拍摄的流程问题就是最简单的，“一开始，然后，再然后……”甚至可以去参考小学劳动课本《如何折纸鹤》。
就像折纸鹤一样，虽然简单，却也有多道折叠过程。
从最开始的准备到第一个镜头喊“anet”并非一蹴而就，这其中需要经历多重步骤。
“中央车站”第一组镜头，就是中年的阿朵在中央门汽车站里替来来往往的人写书信，背后是一群群来来往往的行人，永远都是急匆匆各行各事。镜头前，却有一个个客人坐下，用丰富的表情或开心、或沮丧、或伤心、或憎恨的说着自己的话。
斯琴高娲饰演的阿朵就是那个记录者，手中的圆珠笔不断写字，机械的写字，一成不变……
就这一小段内容，短短的几分钟戏份，也是充满着故事的。
开心明白自己的优、劣势所在，不管理论知识多么丰富，对初次执掌导筒的菜鸟导演而言，是没有机会能亲自感悟消化多少经验的。
所以开心坚决按照程序来，不搞特殊化，在学会跑之前得先学会走路。
也许会和你想的不一样，最开始的步骤不是布置、不是打灯，而是走戏。这是导演和演员的工作。
这时候，所有的人都应该在现场，熟悉这个片段的剧情，熟悉每一句台词。这样，摄影才能抓到更好的角度，录音才知道话筒在哪里才能跟着演员，不漏掉每一句话。
其次，码位。
初次演戏的演员，在开机后会不知道该怎么走动，怎么去面对镜头，开心必须教会他们这些。大概在演员走了两次之后，表演的方式固定了，他再调整一些细节。然后就需要由场工或者摄影助理开始贴地标，也就是通常说的码位置。
码的具体位置，是演员表演开始，结束，和中间停顿的各个点。具体方法是用大力胶贴在演员站着位置的两脚之间。这样做的好处，第一是帮助演员控制节奏，第二是协助演员做到不同次的表演基本相同，方便不同机位剪辑；第三是摄影组跟焦（跟焦是什么，不解释）。
也许经验丰富的演员不需要这个，可在这部电影里，这种笨拙的方法是再合适不过。
第三步，定构图走起。
现在越来越多的故事片已经不画分镜头剧本了（好吧，是除了广告都不画了），这时候就是摄影指导功的时候——当然了，摄影指导要么请好的，再请不来大师之前，开心觉得还是自己兼任比较放心。
早早定下构图，灯光师才能打光，道具组才能布置场景，因为他们看到的影像，是监视器里看到的那种经过摄影机加工的图像，和人眼不一样。
按图索骥。
如果是运动镜头，则定构图需要定两次，即起幅和落幅度。
任何在定构图之前要灯光组打光的摄影都是耍流氓：“给你打，给你打，打好了穿帮怎么办，你负责呀？重新给你挪吗，你谁呀你？”笨重的灯光、录音设备，零碎的都能装了一大车厢。这玩意儿体力不好的，还真玩不起来。如果没有合适的配合，就会愈显得场面混乱。
在香港，灯光师有“灯爷”之称，有句行话叫“得罪谁也别得罪灯爷”，万一他打光的时候给你暗淡一点，到时候成片黑乎乎一片，绝对让你哭都没地方哭。其重要地位不言而喻。但开心觉得，这也跟香港绝大多数电影没有规范化的提前构图有关，在那个追求效率的年代，连剧本都是现写，如何能让灯光师好好工作呢。
而在这个时候，演员就可以休息了，取而代之的应该是光替。
这不是只有拍摄明星时候需要注意的，不管多小的剧组，这时候都不应该让演员站在画面中作为打光的参考，因为演员的情绪很容易被身边大呼小叫忙来忙去的灯光师傅们影响，而且长时间站立，演员会麻木，不利于表演。长时间被灯光烤，会有些呆滞，也会不停要补妆。
光替，就是身高和演员差不多，身材类似，穿着同样颜色衣服（不同也行，但是别差太多）的，随便啥人……
搞清楚了构图意思之后，才是打光和布景的阶段。
打光之前，灯光师应该是一直站在监视器前面的，根据摄影师定好的画面，开始进行光线造型。
但这并不是所有人都能做的活，要注意的是，灯光师一定要兼顾到这个镜头里所有可能涵盖的演员调度，走动、表演，防止不接戏；在故事片拍摄中，一定遵循同一内容从全景到特写的拍法；在拍摄同一场景时，如单机拍摄正反打，一定要先把一个光位下所有的机位拍完。否则即便记再准确，都很难在补拍同一位置上的镜头时做到灯光完全一致不穿帮；主光方向，光比，一定要固定，要测量好并且记录数据，防止穿帮……
其次摆放细节道具，也是需要开心或者摄影师赵小鼎去亲自去指挥的。某些细小的道具，如《盗梦空间》中的陀螺，往往都是镜头语言的最重要组成部分。导演要摆放进去，是为了叙事服务的。而摄影师要放的，则是为了画面好看的。
一个合格的道具师，在放好之后都会迅用照相机拍下照片，包括这个东西，拜访的角度，和周围道具的关系，其目的，还是为了接戏、不穿帮。
这个也完成无误，才轮到演员调整化妆、服装。
这里说的调整，可不只是换一套衣服，而是演员脸上有没有反光的点？需要不需要补粉？演员的衣服上有没有多余的脏东西，需要不需要粘下线头等等。
演员也ok了，好，导演举起导筒喊：“录音话筒员就位！”
这个需要强劲臂力的职业开始上场了。而专业话筒员，在走戏的时候也应该跟在现场，先试试录一个样。让录音师知道每句话的轻重，每个细节，哪里要避免，哪里要录清楚。
这个时候就是正式上位啦~如果是运动镜头，还要和摄影师沟通下，最好大家一起走一下，看看运动过程中有没有穿帮。
大喇叭继续喊话：“各部门的最后检查！”
灯光组看看这个演员够不够美。
道具组检查下有没有东西没摆好。
摄影组最后检查有没有穿帮。
“……现场所有人固定不要动。”
现场所有人，无关的人能离开现场最好离开，到监视器前面才能看到结果。不能离开的，迅站定，最好蹲下，免得挡光，或者影子移动造成穿帮。
开心迅下令：“摄影开机（Ro11caera）！”
操作机器的赵小鼎脑袋缩在摄像机镜筒后面，头也不抬，回喊：“开机（Ro11ing）！”
“……声音开机（Ro11sound）！”
场记小伙儿开始举着板子对在摄影机前面，报场号、镜号、次数、打板：“第一场，一镜头，第一次……”
这才轮到那一声激动人心的“anetbsp; “哐~！”
——正式开拍。
不同的职务喊不同的话：录音开机录音师喊：开机（Ro11sound/soundspeed/Ro11ing），摄像机开机摄像指导喊：开机（netg）导演喊：开始（anetbsp; 拍摄完第一个镜头之后，还需要回放。
以上的全部流程，都需要经过三次配合，起幅，落幅，和运动过程。
开心坚持程序走，是有他的道理的。
他一直认为，中国的剧组之所以会有工作上的摩擦，一大部分原因就是因为没按照这个流程走。其实少了任何一个步奏，都会造成其他部门的慌乱。
一个镜头拍摄没有效率，总是存在纰漏，才是拍的慢的原因，细节做好浪费的那些时间，根本就不算浪费。
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